«Смерть завораживает меня вечностью»

                                  (Сальвадор Дали)

  При знакомстве и изучении  целого ряда репродукций картин различных художников, изображавших смерть на своих полотнах, я как врач, пытался оценить реальность облика мёртвого героя  и подметить те признаки смерти, которые удалось нарисовать автору.

   Почти все живописцы  за редким исключением  не вдавались в детальное изображение реальных (натуралистических) анатомических признаков мёртвого тела. Чаще они показывали обстановку, умершего человека в одежде, в постели, на поле брани или в необычных местах, нередко - обстоятельства наступления смерти,  порой театрализовано, постановочно. То есть картина символизировала смерть изображённого на ней персонажа, останавливалась на той или иной истории её наступления, события, повлекшего за собой смерть героя, либо констатируя смерть известной реальной или мифологической личности, согласно легендам, преданиям и поверьям, религиозным трактатам, особенно из Библии.

  Порой только наименование картины влекло за собой желание увидеть то, что сообщал о ней сам автор. Завуалировано, намёком или просто рисунком…

    Начина свой обзор со знакомства с удивительно красочной и многогранной картиной  Густава Климта, мне хочется сопоставить отображение  жизни и смерти, воплощённых в ней, в виде противостоящих символических фигур, олицетворяющих вечность возрождения первой и бессилие второй в неизбежном противоборстве между собой.  Смерть неизбежна, но жизнь всегда побеждает!

Рис 1.

«Жизнь и смерть» 1908-1916. Густав Климт (нем. Gustav Klimt;  1862-1918) . Музей Леопольда в Вене.

    Всемирно известный австрийский художник, основоположник модерна в австрийской живописи. Главным предметом его живописи было женское тело, и большинство его работ отличает откровенный эротизм.

В 1911 году картина Климта «Жизнь и смерть» получила приз на Всемирной выставке в Риме.

    Яснее представить себе контраст торжества жизни и призрак смерти в своих красках весьма трудно. Но Климту это удалось…Хотя смерть представлена одним черепом, а весь скелет задрапирован менее яркими, чем представители жизни  цветами. А вместо косы - гневно-бордового оттенка топорище…

(Описание картины хорошо представлено на  этом видео - клипе: https://muzei-mira.com/avstrijjskaja-zhivopis/1948-kartina-gustava-klimta-smert-i-zhizn.html) Лучше не скажешь.

***

   Так случилось, что наиболее реальными в изображении мертвых в живописи оказались Христос и  Клеопатра. Этот парадокс мне думается можно связать, помимо  притягательности и известности этих  образов,  ещё и  обстоятельствами нетривиальности наступления их смертей: распятия Христа и самоубийства египетской царицы с использованием ядовитой змеи … Разумеется  и числом существующих (доступных в Интернете) полотен, которых намного больше иных. Существуют  целые серии изображений названных выше всем известных персонажей Христа и Клеопатры. Наряду с одиночными или немногочисленными полотнами повторений в различных ракурсах одного и того же сюжета  смерти в сравнении с названными.  Хотя, я должен тут же оговориться, что удачное или умелое изображение мёртвого тела Христа удалось тоже не многим художникам. 

Рис 2.

    И на первом месте среди них  картина художника Ганса Гольбейна Младшего, (Hans Holbein der Jüngere, 1497-1543),  «Мертвый Христос в Гробу» (1521-22). (Художественный музей, Базель.)  Великий немецкий живописец нарисовал первое реалистичное изображение мёртвого Христа. Прототипом Иисуса, якобы, послужил выловленный в Рейне рыбак - утопленник, имевший некоторое телесное  сходство с привычным известным из сказаний, картин и  скульптур  образом Христа. Художник изобразил на картине труп с первыми признаками тления.  Вокруг ран появились синеватые ареолы, а конечности начали чернеть. То есть автор картины показал тело таким, кок оно бывает у только недавно  умершего человека, не прикрашивая и не дополняя его. Со всеми следами истязаний, ран и кровоподтёков. «Застывшие остекленевшие глаза и судорожно сомкнутые губы», правда, могли увидеть только те, кто рассматривал оригинал этой небольшой (30,5 × 200 см), но узкой по форме картины.…

    Тело несет на себе признаки издевательств и чудовищной казни на кресте:  руки и ноги пронзены гвоздями, а тело иссечено ударами бича. Ничего божественного. Одинокий труп человека. Если не знать содержание легенды о распятии Христа.

   Это и произвело неизгладимое впечатление на Ф. М. Достоевского, когда он увидел картину на выставке в Базеле в 1867 году,  и был поражён изображением Христа. Его жена, Анна Григорьевна,  вспоминала, что его выражение лица напоминало такое же перед очередным эпилептическим  приступом.  

     Сама картина по тем временам  была признана еретической, ибо в каноне сказано, что  «тело Спасителя не могло быть подвержено тлению».   Серен Кьеркегор писал: -  «чем совершеннее существо, тем отвратительнее внешние, физические проявления его смерти, которые выглядят как откровенное надругательство над духом».

Так тогда и не был раскрыт смысл картины Гольбейна, написавшего столь сомнительную, почти на грани кощунства, картину? А ведь художник с точки зрения врача нарисовал просто реальный образ мёртвого человека, а не божества…

     Возможно, поэтому художники и впредь не стали   прибегать к натуралистическим подробностям изображения смерти, а  создают аллегории, метафоры  или близкие образы, чтобы не слишком впечатлять эстетов, не пугать обывателей и не оскорблять чувства случайных зрителей…

      Но это была не первая картина с образом мёртвого Христа. До Гольбейна были ещё два великих мастера, которые рискнули отобразить смертный облик Творца или Спасителя. Ещё в 1490 году Андреа Мантенья(Mantegna, Andrea) (ок. 1431–1506), один из крупнейших живописцев эпохи Возрождения в Северной Италии. По рисунку нет сомнений, что перед нами мёртвое тело, а по стигматам на конечностях понятно, что это тело Христа, хотя на нём нет, кроме бледности, явных анатомических признаков мертвого человека, что можно объяснить  ещё не наступившими. Либо нежеланием автора  нарушать мнение об их недопустимости у конкретного трупа по религиозным догматам. 

Рис 3.

«Мертвый Христос», 1490. МАНТЕНЬЯ АНДРЕА -
(Mantegna, Andrea) (ок. 1431–1506), один из крупнейших живописцев эпохи Возрождения в Северной Италии.  

    На картине Монтеньи   «Мёртвый Христос» изображён реалистично. Тело и зияющие на нём раны кажутся естественными, объёмными,  как  на скульптуре, но  не плоскими, как  обычно бывает у иных художников на  холсте. Цвет тела и камня почти одинаков. То есть они оба мертвы.  Мёртвый Христос изображен  в окружении скорбящих женщин, одна из которых,  якобы, и есть  Мария Магдалина.

Выдающееся произведение Мантеньи оказало влияние на многих художников. Наиболее явно оно прослеживается в одноимённой картине Аннибале Карраччи «Мёртвый Христос» (англ.).

Рис 4.

    Знаменитая картина Аннибале  Карраччи "Мертвый Христос" (1582, Галерея Уффици, Флоренция) стала настоящим шедевром своего времени, поразившим многих современников художников. 

Хотя и на этой картине видны лишь свежие кровоточащие стигматы без других явных признаков мёртвого тела. И даже изогнутые и уже не нужные гвозди, клещи и терновый венец…

     Другим художником,  изобразившим мёртвого Христа был Альбрехт Дюрер.  В 1503 году художник углём нарисовал картину «Творец в терновом венце», хранящуюся в Британском музее.

    На этой картине  больше подробностей, отражающих предсмертные страдания, однако без анатомических признаков смерти, что на картине, нарисованной углём, было бы затруднительно или просто невозможно изобразить.

    Искажённое болью выражение лица,  страдавшего перед смертью Христа, стонущего или кричащего  от боли и застывшего в  этой маске, даже у меня, хирурга, видевшего немало мертвецов, вызывает  страх, сочувствие и жалость. Ведь это человек - «See Homo!» - как сказал, якобы,  Понтий Пилат о Христе перед его распятием…

              Рис 5.

 А. Дюрер, 1503. Автопортрет в образе мертвого Христа?

    Рисунок Дюрера с изображением запрокинутой головы мёртвого Иисуса некоторые искусствоведы считают автопортетом художника, сделанным сразу же после тяжёлой болезни в возрасте Христа или около того, которая едва не закончилась летальным исходом. Спустя несколько дней после тяжёлой лихорадка, будучи измождённым с пересохшими губами и запавшими орбитами, Дюрер  вместо того, чтобы пригласить священника, как предполагали окружавшие его близкие люди,  ибо Дюрер был набожным человеком,  он потребовал принести небольшое зеркало. Предположили даже, что под влиянием ужасного вида он помешался.  Но на сделанном рисунке по следам своего впечатления от увиденного, Дюрер нарисовал… автопортрет мёртвого Христа…

В облике человека на рисунке видны и вполне могут быть отмечены  врачом  признаки, характерные для умирающего.

   В нижней трети листа  видна монограмма художника – одна в другой буквы - А и D  и год - 1503-й. ( Год рожденя Дюрера 1471). 

Иллюстрацией в этом смысле может служить, в частности, одно стихотворение, которое  обнаружил в Живом Журнале журналист Вячеслав Алексеев:  

«Бога нет! И Он не умирал –

Всем размышленьям край положен.

Плащаницу жалким телом распластав,

Человек лежит и лик его безбожен.

Две пустыни смотрят вместо глаз.

Острый нос, зубов оскал тревожный,

Челюсти отвисшей сообщал:

Бога нет! - Таким Он невозможен».

    Можно найти признаки смерти на теле Христа и у других художников. Например, на картине  нормандского художника Николы Пуссена «Оплакивание Христа» тело мёртвого Христа показано истинно мёртвым по окраске, позе и впечатлению на окружающих. Его вид явно отличается от колорита тел вокруг  скорбящих людей. И согласишься с художником, которому удалость написать реалистическую картину смерти человека…

Рис 6.

Никола Пуссен: Оплакивание ХристаНормандец по происхождению, Никола Пуссен (1594-1665).

Но оставим богу богово, а кесарю кесарево…

    Явные признаки смерти можно констатировать на теле  Клеопатры  на следующей репродукции. Картин, посвяшённых самоубийству Клеопатры не перечесть, но лишь на некоторых из них просматриваются реальные или близкие к ним анатомические признаки наступления её смерти. В основном художники как бы обыгрывают эту историческую сенсацию и на своих полотнах каждый по- своему представляют это событие. Ближе всех реальный вид мёртвого тела Клеопатры, показался мне на полотне Риксена.

Рис 7.

     Смерть Клеопатры. Картина Жана Андре Риксена. 1874 г.

Картина отличается редкой реалистичностью смерти Клеопатры. Перед нами  распростёртое мёртвенно-бледное тело, особенно лицо.  На  её ногах - тело Антония, который только что увидел мёртвой свою возлюбленную, и смерть ещё не обнажила свои роковые черты на его теле в сравнении с цветом прекрасного тела Клеопатры.

    Следует подчеркнуть, что из прежних картин только на теле Христа художники отражали признаки смерти. Но тело Клеопатры и мёртвое выглядит весьма женственно.  Хотя четверо родов  и страсть к оргиям, конечно, несколько уменьшили сексуальность её внешности, но она ещё сохраняла обаятельность и красоту.  Мне с т рудом удалось выбрать  одну из множества картин с изображением  умирающей или умершей Клеопатры,  которая анатомически более реалистична, больше похожа на правду… 

    Все художники, рассказывая в своих картинах о трагической истории самоубийства прекрасной относительно молодой женщины, пытались совместить признаки смерти и сохранить её красоту и женственность. Но почти всегда проигрывали в реалистичности изображения её смерти Художники всё же не могли преодолеть своё желание показать красоту её тела, греша истиной в изображении смерти. Как это видно, например, на полотне художника Гвидо Каньяччи  «Смерть Клеопатры»  (1658-1660).
(Художественно-исторический музей, Вена
Guido Cagnacci  «The Death Of Cleopatra»
Kunsthistorisches Museum, Vienna).

Рис 8.

     Художник явно переборщил, показав юную красивую обнажённую девушку,  хотя Клеопатре при всей её сохранности и красоте было уже немного за 40 лет, но ему хотелось сделать то, что он не мог себе позволить, рисуя  святых. А Клеопатра была просто женщиной, хотя и царицей Египта.  В его Клеопатре нет каких либо  признаков смерти, а показан только глубокий спокойный сон, если бы не навязчивый атрибут всей этой  истории в виде змеи, которая присосалась к жертве  как пиявка… 

Рис 9.

 То же отступление от реальности ради демонстрации атлетически сложённого прекрасного тела мёртвого Адониса и окружавших его женщин мы видим на картине Питера Пауля Рубенса «Смерть Адониса» (ок1614). Музей искусств, Иерусалим.

     Красавец Адонис - в переводе "господь", "владыка" был рождён   от кипрского царя Киниры и его дочери Мирры в результате интриг богини Венеры, внушившей дочери любовь к отцу, который не подозревал ничего и совершил инцест. Боги наказали дочь и превратили её в мирровое дерево, из ствола которого и появился Адонис. Впоследствии и он был убит диким кабаном, посланным Артемидой, соперничавшей с Венерой в любви к юноше. Из-за похоти богинь гибли герои легенд, выглядевшие и после смерти прекрасными мужчинами…

***

    Понятно, что в период создания фресок,  литографий, офортов и в рисунках на доске, или на полотне грифелем/карандашом представить все оттенки колорита смерти на теле или лицах усопших можно  было только в виде схематических или символических черт. Примером может служить гравюра на дереве того же Альбрехта Дюрера:

        Рис 10.

Албрехт   Дюрер (1471-1528) “Смерть и ландскнехт». (“Death and the Lansquenet»,1510). Гравюра на дереве.| Национальная галерея искусств. Британский музей.

     Никто не сомневается, что рядом с ландскнехтом «стоит смерть» держащая в руках песочные часы, указывающие, что время пришло и к солдату…

    Но, увы! И на последующих полотнах смерть изображалась больше символически, постановочно, в виде театрализованных мизансцен, среди обстоятельств, причин и смысловых рисунков. Не редко с привлечением мистики либо фантазии. Либо в виде посредника в образе женщины с косой, ангела смерти, фигуры человека, задрапированной в длинные чёрные одежды с капюшоном и без лиц. А то и просто в виде описания неких потусторонних причин или невидимых участников смертельного исхода.

    Начиная с фресок Гюстава Доре, создававшего многочисленные изображения реки Стикс, заполненной трупами умерших, схематично нагромождённых без детализации и однообразно обезличенных.  И грешники, пытающие ухватиться и попасть в ладью и умершие , коих невозможно  дифференцировать  среди  нагромождения чёрно-серых  тел и их поз. Здесь для художника была важна иллюстрация ада и путь к нему через реку Стикс в сопровождении Харона, а не описание признаков смерти на их  телах…

Рис 11.

    Все эти сцены и описания чаще всего заимствованы из произведения  Алигьери Данте (1265-1321) «Божественная комедия». Итальянский поэт, мыслитель, богослов, один из основоположников литературного итальянского языка, политический деятель. 

Уже намного позднее всех этих картин французкий художник Эжен Делакруа снов возвращается  к теме ладьи Данте даже в красках не в состоянии достичь реализма показа смерти, о чём сам и писал

Рис 12.

Эжен Делакруа. Ладья Данте. 1822.Лувр Париж.

      В лодку пытаются взобраться «гневные» грешники, подлежащие вечной казни в этом болоте. Сам Делакруа оценил свою работу вполне трезво, считая недостатком «отсутствие живописной мощи  и потому контуры фигур выглядят размытыми и не слишком убедительными...». К словам художника можно добавить отсутствие явных признаков смерти, кроме бледности тел и закрытых глаз, чем греша многие картины с изображением мёртвых персонажей.

  Ещё за три столетия до описанных картин появилось эпохальное полотно Питера Брейгеля Старшего «Триумф смерти»

Рис 13.

Питер Брейгель Старший   «ТРИУМФ СМЕРТИ» (1562 – 1563)  Museo del Prado

     В этой нравственной работе, торжество или танец  смерти над мирскими вещами символически представлено  армией скелетов, выставивших вместо щитов гробовые крышки с крестами.  На переднем плане, сама «смерть» ведет свои войска, сидя верхом на  красноватой лошади, разрушая мир живых,  тянутся к огромному гробу, без надежды на спасение и ни власти, ни преданность не  могут уже спасти их. Некоторые пытаются бороться с их необратимой       судьбой, устремляясь к  лазу, с крестом на крышке, но это место окажется не спасением, а своеобразной воронкой смерти, в то время как другие смирились с ней. Это пара музицирующих  влюбленных, в нижнем правом углу, мечтающих о будущем. Брейгель пишет всю картину в красновато-коричневом тоне, который придает сцене тревожный и бесплодный колорит. Обилие сцен и нравоучительных чувств, применяемые художником,  напоминают  полотна  Иеронима Босха (Hieronymous Bosch's).

         Рис 14.

      Французский живописец Милле, «Крестьянин и смерть».

«Смерть и дровосек» (1859).  Жан-Франсуа Милле. 

"Death and the woodcutter" by Jean Francois Millet,

 (1814 - 1875).  (Глиптотека, Новый Карлсберг, Копенгаген).

     Смерть символизирует  женщина в белых одеждах, что на редкость, с косой через плечо, которая, ухватившись за воротник  куртки крестьянина, тащит его за собой…Он, сидя на корточках и обхватив вязанку хвороста, не готов ещё следовать за ней и, возмущаясь, сопротивляется. Чёрная шапка надвинута на лоб, прикрывает глаза, колени напряжены, ибо он пытается удержаться, чтобы не упасть и не поддаться стремлению смерти его утащить его в могилу…

    Не могу обойти  картину Джона Милле "Офелия", ставшей эпизодом из фильма Ларса Фон Триера "Меланхолия", который  явно навеян этой картиной: 

Рис 15.

John Everett Millais «OPHELIA», (1851 – 1852).

Картина британского художника сэра Джона Эверетта Милле (1826-1896). Английский  живописец, один из основателей Братства прерафаэлитов. Картина находится в галерее Tate  Britain. Лондон.

    Вызывает большое сомнение причисление этой картины к картинам о смерти:

    На картине, якобы,  изображена лежащая в воде  поющая  Офелия, перед своим «самоутоплением». Она вроде собирала цветы на дереве и упала с него в реку. Не бросилась же!  И вместо того, чтобы попытаться выбраться на берег, лежит, поёт и отрешённая от всего постепенно погружается в воду по мере намокания её одежды. Но выглядит живее всех живых… Так и утонула как подводная лодка «Курск» по выражению Путина… О чём это пишут знатоки  - критики.  Символизм?

    Но, тем не менее, картина была хоть и  не сразу принята критиками, однако позднее получила высокую оценку как один из самых поэтически написано смерти сцен в литературе. Предполагали, что  прототипом  Офелии для художника  послужил образ его возлюбленной   Россетти  Элизабет  Сиддал.И даже была использована фон Триером в его  фильме «Меланхолия»

         Рис 16.

      На следующей, весьма впечатляющей картине, изображён момент, когда Адам и Ева обнаружили тело своего сына Авеля, убитого  старшим братом Каином. Смерть Авеля стала первой в Библии, что объясняет название картины.

Вильям Бугро «Первый траур» (фр. Premier Deuil) — картина, написанная французским художником  в 1888 году. (Национальный музей изящных искусств в Буэнос-Айресе).

    Внимание зрителя сосредоточено на страдании героев, эмоции Евы отчётливо показаны, хотя её лицо закрыто руками. Тело мёртвого юноши изображено с идеализированной красотой, без следов убийства, о котором свидетельствует лишь кровь на земле, один из немногих участков картины в контрастных тонах. Тем не менее,  в названии полотна идёт речь о смерти.

     Для достижения реальности картин смерти  могли быть выражение лица, позы умерших, отсечённая голова, отсутствие частей туловища, обильные кровоподтёки или лужи крови, истекшей из ран, которые  должны были убедить зрителя, что персонаж мёртв. Как, например, на картине И.Е. Репина «Иван Грозный убивает своего сына Ивана» (Третьяковская галерея), где виден истекающий кровью из раны на голове после удара посохом умирающий юный царевич Иван, сын Ивана Грозного…

Рис 17.

 Умирающий  сын в объятиях опомнившегося от приступа гнева отца, пытающего остановить обильно текущую сквозь его пальцы кровь из смертельной раны на виске, ещё не бледен, ещё печать смерти не наложила свои тени на его лицо и кисть, он ещё пытается оттолкнуться от пола слабеющей рукой от земли, уже готовой принять тело в свой вечный покой… На картине предчувствуется смерть.

Рис 17-а

А. Новоскольцев. Смерть Патриарха Ермогена

На картине художник реально изобразил мёртвого старика, сжимающего в окоченелых руках распятии, лежащее  с запрокинутой головой, землисто- бледными лицом и кистями рук, седой бородой…

В смутное время  при нашествии на Русь самозванца Лжедмитрия и польского короля Сигизмунда III в 1612 году Патриарх Ермоген отказался подписать грамоту о том, что Россия отдаёт себя  на «волю польского короля», за что был заточён в темницу Чудова монастыря, где скончался от голода через девять месяцев. Его останки долго не поддавались тлению и в 1654 году перенесены в Московский Успенский собор. А в 1913 он  был причислен к лику святых. 

  Особняком привожу репродукцию картины Василия Верещагина «Смертельно раненый», ибо на ней ещё живой, но уже умирающий в инерции своего бега солдат с пулей в сердце, делает свои последние шаги в жизни…

Рис 17-б

 «Смертельно раненный», 1873. Василий Верещагин.Государственная Третьяковская галерея.

    Но во многих картинах отсутствовали и эти атрибуты смерти, хотя был ясен замысел художника по изображению, реакции окружающих, либо  вопрос исчерпывался просто по названию картины, раскрывающей её содержание и исключающей всякие сомнения и досужие толкования…

    Самый наглядный пример представляет картина Пабло Пикассо 1906 года  под названием «Смерть Арлекина», на которой мёртвый клоун «сложил» поднятые ладони и аккуратно возлежит на ложе среди братьев по сцене. Его тело окрашено одним белым цветом, глаза, естественно, закрыты, лицо спокойное умиротворённое. Сомнений, что художник нарисовал условно мёртвого Арлекина. Если бы не мёртвенная бледность и показ сложенных (хоть и неправильно для  мертвеца рук) то можно было бы подписать её, что он спит? Да и то вряд ли, так как не будут  держаться ладошки…

Рис 18.

Пабло Пикассо «Смерть Арлекина, 1906 год.

Аналогичными полотнами могут являться картина шведского художника  Нильса фон  Дарделя «Умирающий денди» и картина «Смерть Пабло Эскобара.» Фернандо Ботеро Ангуло.

Рис 19.

Нильс фон Дардель (1889  -1943) "Умирающий денди". (Moderna museet).

Нильс Дардель - классик шведской живописи. Нильс Дардель – оригинальный, ни на кого не похожий, и вобравший в себя различные направления и манеры живописи.  Дарделизм - понятие, которое можно себе представить как  некий "водовороты подсознания. Нильс Дардель был бисексуалом. В шведском университетском городе Упсале он вошел в круг молодых интеллектуалов, последователей Оскара Уайльда.

      "Умирающий денди" - самая знаменитая картина художника.  Обращает на себя внимание бледное, совершенно белое лицо умершего, которое даже белее, чем у мертвецов и больше характерно для анемичных больных с лейкемией, нежели привычный землисто-белый цвет кожных покровов у них.  Левая рука, лежащая  на области сердца, напоминает обычное положение её у «сердечников», страдающих стенокардией. В правой руке умершего выскальзывающее   зеркальце, глядя в которое больной, как и сам художник, также страдавший сердечным пороком, возможно, «наблюдал» приближение  своей смерти… Картина его считается провидческой, не лишена мистики и влияния подсознания…

        Рис 20.

   «Смерть Пабло Эскобара.» Фернандо Ботеро Ангуло (исп. Fernando Botero Angulo; родился в 1932 г.) - колумбийский мастер живописи гротескного направления, скульптор, который сам себя называет «Самым колумбийским из колумбийских художников»». На его живописных полотнах гармонично сочетаются китч, гротеск, наивный примитивизм, фольклорный колорит, итальянский ренессанс и колониальный барокко. «Фишка» мастера — изображать толстяков, у него тучные все - люди, мебель, животные и даже яблоки. Мастер стал известным после завоевания первого приза на Выставке колумбийских художников в 1959 г.

     На картине без анатомических подробностей смерти, лежит условный мертвец, плеторической внешности с одутловатым лицом, расплывшимся телом. Толстый обжорливый и ленивый, задержавшийся в развитии юноша, играющий в солдатики с пугачом в ручке, которую мертвец не опустил и оружие не выронил. Спящий  «мёртвым сном»… Лишь одно только  название картины вынуждает согласиться с её автором о представленном на ней изображении смерти человека, причин для которой с точки зрения врача, теоретически и клинически более чем достаточно, но фактически смерть не показана…

Рис 21.

«Смерть комиссара», 1928. Кузьма Сергеевич Петров-Водкин (1878-1939), российский и советский живописец, график. Заслуженный деятель искусств РСФСР.

      На картине реально передано ощущение скорой смерти комиссара, получившего тяжёлое ранение, что   видно по его мертвенно-бледному лицу, позе и затруднённым движениям. Слабеющая рука ещё сжимает винтовку, к ней же тянется и вторая его рука. Показана упавшая на землю фуражка. Но сидит он только благодаря поддержке товарища, ординарца или его боевой подруги. Зритель верит нарисованной трагедии, соответствующей названию картины.

   С ней перекликается написанная  тремястами годами ранее картина Питера Пауля Рубенса «Смерть Ахиллеса», также наступившая в результате ранения стрелой в пятку, оставшуюся, якобы не защищённой, когда мать  окунала его в священные воды реки Стикс, держа за пятку. Ничего не сказано о возможном  яде в стреле, оставляющего миф  о смертельной ране сомнительным… На картине видна реакция Ахиллеса на боль в пятке и страдание на бледном лице, но не изображение на ней смерти, как следует из названия картины…

           Рис 22. 

«Смерть Ахиллеса» 1630-35. Питер Пауль Рубенс  (1577-1640). Институт Курто Лондон.    

      «Смерть Марата» (фр. La Mort de Marat 1793) так же смотрится как театральная мизансцена с мало убедительной игрой актёра на картине французского художника Жака Луи Давида. (Королевские музеи изящных искусств, Брюссель)

              Рис 23.

Jacques-Louis David - Marat assassinated  «Смерть Марата» (фр. La Mort de Marat), 1793 - картина французского художника Жака Луи Давида, является одной из самых известных картин, посвященных Великой Французской Революции.

      Жан Поль Марата, журналист   радикальной газеты «Друг народа», был лидером якобинцев, ярым сторонником якобинского террора. Страдая  кожной болезнью, Марат не выходил из дома и, так как постоянно принимал ванны, пытаясь облегчить свои страдания. 13 июля 1793 года он в ванне был заколот  дворянкой Шарлоттой Корде.

       На картине показана, но не изображена смерть человека, так как поза для мёртвого не реальна, а театрализована. Кроме полумаски страдальца, художник показал  тени, чередующиеся с бледностью мёртвого тела…Рана, нанесенная клинком, проигнорирована художником, следов крови на картине нет. В то же время  в руках у мертвеца зажаты перо и листок бумаги с текстом, что явно показывает условность картины. Впрочем, такова  была задумка автора полотна, которое, однако,  признано образцом олицетворения смерти Марата.

Надпись на деревянной тумбе демонстрирует  авторское посвящение: «МАРАТУ, Давид».

    Другой, аналогичный пример изображения наступившей смерти Марата  принадлежит кисти Эдварда Мунка - самому  знаменитому художнику  Норвегии, автору всемирной известной картины «Крик».

    Картина Мунка отличается особой жестокостью и натурализмом. В её создании отразилась тема смерти присущая многим картинам и душевному состоянию автора, лечившегося неоднократно в психиатрических клиниках. Убийца со следами крови на руках стоит нагая в по - колено в воде рядом с распростертым окровавленным телом Марата. Очевидно, ванна достаточно велика и убийца воспользовалась сексуальным обольщением Марата.  Но это возможно мои досужие размышления и допущения… 

Рис 24.

    Только душевнобольной художник мог так цинично и реально  показать некое зверское убийство человека и ни в коей мере его не оправдывает. Излишние мазки крови по всему телу, при известном одном ударе кинжалом невольно вызывает чувство ритуального убийства, хотя свой неожиданный удар клинком Шарлотта Корде предвещала запиской о якобы подарке Марату от гражданки Франции.                      

   Особняком стоят картины убийства путём обезглавливания, на которых факт смерти понятен, а художники делаю акцент на показе отсечённой головы или моменте её жестокого отделения, как на этих картинах.

   Причины, обстоятельства и исполнение «усекновения главы Св. Иоанна Предтечи» (Иоанна Крестителя) многообразны и вариабельны, как и факт отношения к этому поступку женщин - Иродиады и её дочери Соломеи, получившей голову в «подарок» после неотразимого её танца… 

Рис 25.

Питер Пауль Рубенс: «Обезглавливание Иоанна Крестителя», 1609-10.

     По картине Рубенса – это было жестокое, вероломное и   неоправданное убийство, что видно по хамскому  поведению палача, наступившему ногой на ещё дёргающийся труп, лишённый головы, и спокойному восприятию всего произошедшего со стороны участников казни. 

     Среди нескольких картин , посвящённых неординарному поступку вдовы погибшего воина,  считающего причастным Олоферна, полководца армии Навуходоносора, вторгшейся в Иудею, я выбрал картину итальянского художника Микеланджело да Караваджо, написанная в 1599 году и хранящаяся в  Палаццо Барберини, в Риме. На ней Юдифь спокойно и внутренне собрано выполняет задуманную ею месть, будучи  также убеждённой в   решении помочь своему народу. Рискуя жизнью, она завлекла, напоила и спящему отсекла голову, испытывая отвращение к содеянному. Отсечённую голову  унесла с собой, чему посвящены многие картины других живописцев.…

Рис 26.

«Юдифь и Олоферн» (итал. Giuditta e Oloferne) — 1599 Палаццо Барберини , Рим

Картина итальянского художника Микеланджело да Караваджо, написанная в 1599 году. по

    Караваджо подметил и  запечатлел удивительно точно анатомические и физиологические особенности, сопровождающие смерть. Олоферн показан в самый страшный момент- момент, когда человек расстается с жизнью. Закатившиеся глаза Олоферна вылезли из орбит, рот замер в крике. Его сознание угасло, между тем в его сведенном предсмертной судорогой теле еще теплится жизнь  - одна рука сжалась в кулак, другая инстинктивно цепляется за постель.

    На лице Юдифи читается явное отвращение к тому, что она вынуждена сделать, тем не менее девушка полна решимости довести свое дело до конца. Изящной красоте юной мстительницы художник противопоставляет грубый натурализм самой сцены убийства…

«Плот  Медузы“» (фр. Le Radeau de la Méduse) — magnum opus французского художника Теодора Жерико, одно из самых знаменитых полотен эпохи романтизма.1819. Лувр, Париж.

       Трагедия групповой смерти на этом полотне, воспринимается согласно легенде о ней. Из 140 человек пытавшихся спастись на плоту после кораблекрушения фрегата «Медуза» остались в живых только 15, подобранных бригом «Аргус». Подробности плавания в течение 12 суток  - жажда, голод,  убийства, людоедство потрясли общество и обернулись скандалом.

На плоту  видны фигуры умерших, умирающих в самых неестественных положениях, отражающих страдания и муки голодных людей, находящихся в отчаянии в предчувствии близкого конца их жизни. Взорам матросов с "Аргуса" предстало ужасающее и леденящее душу зрелище: трупы истощенных до последней крайности людей и живые, мало чем отличающиеся от мертвых. А рядом куски человеческого мяса, которые несчастные вялили на солнце и ели…

Для подготовки полотна и изображения естественных картин трагедии , художник делал многочисленные этюды умирающих в больницах и трупов казненных.

Картина стала последней из законченных произведений Жерико.

Его друг, художник  Делакруа вспоминал, что увидев законченную картину, он «в восторге бросился бежать, как сумасшедший, и не мог остановиться до самого дома».

    В некотором отношении такое предчувствие смерти, но не от голода, а по дьявольскому решению, хозяина гарема царя Сарданапала, велевшему убить всех его наложниц, с ужасом охватило всех женщин вокруг умирающего …

Они не все ещё мертвы, многие взывают о милосердии, молят о пощаде, другие опускают руки буквально, осознавая тщетность мольбы к жестокому повелителю. Но признаков смерти на телах ухоженных жён царя не видно. О скорой смерти на этой картине только гласит лишь сама легенда…

Рис 28.

Эжен Делакруа "Смерть Сарданапала" 1827. Ассирийский царь, знаменитый своим распутством и доведший страну до гибели, решает покончить жизнь самоубийством.

Париж, Лувр 

Символически, образно, метафорично показана смерть большого числа людей на пацифистском полотне Пабло Пикассо – «Герника».

"Герника". Самая необычная картина о смерти людей в результате войны, бомбардировки мирного спящего города и, то бишь, фактического массового убийства людей.

 Пабло Пикассо. 1937.  Музей королевы Софии, Мадрид.

Рис 29.

"Герника" как художественное полотно представляет весьма условные, приближённые, символические сцены смерти, насилия, зверства, страдания и беспомощности, которые  очевидны и сомнений не вызывают.

      Полотно-фреска "Герника", написанная Пикассо в 1937 году, рассказывает о налете добровольческого подразделения люфтваффе на город Герника, в результате которого шеститысячный город был полностью уничтожен. Картина была написана буквально за месяц — первые дни работы над картиной Пикассо работал по 10-12 часов, и уже в первых набросках можно было увидеть главную идею. Это одна из лучших иллюстраций кошмара фашизма, а также человеческой жестокости и горя.

Рассказывают, что в 1940 году Пабло Пикассо вызвали в гестапо в Париже. Речь сразу зашла о картине. "Это сделали вы?" - "Нет, это сделали вы".

***

    Перед ошеломлённым солдатом, одетым в звериную шкуру, (тигра?) и  стоящим перед убитым им стариком, бледным худым обескровленным телом его с зияющей раной на шее, разверзлась тяжкая истина: - Что я наделал? Ведь это же великий Архимед! Нет мне прощения!

Так гласит легенда, вызвавшая вдохновение художника Эдуарда Вимона, создать это полотно в чёрно-белом варианте. Смерть Архимеда не вызывает сомнения и для её подтверждения художнику не нужны никакие краски  явных анатомических  признаков. Эта смерть доказана и показана средствами нарисованных им атрибутов и присовокуплённой к её наступлению  легендой… 

Рис 30.

Эдуар Вимон (1846—1930). Смерть Архимеда  Edouard Vimont (1846-1930) Archimedes death. 

    По преданию, римский полководец Марцелл, войско которого осаждало Сиракузы, очень высоко ценил гений Архимеда, несмотря на то, что изобретенные ученым метательные орудия причиняли большой урон нападавшим, что позволило Сиракузам держаться несколько месяцев. Катапульты Архимеда, сметали десятки римлян, крушили их осадные сооружения, сожгли, по-видимому, «огненными снарядами» (сосудами с горючей смесью),  которые возможно и были «зажигательными зеркалами» Архимеда…
Разъяренные захватчики - победители устроили в городе резню, жертвой которой стал и Архимед. По одной версии, когда римский солдат занес над ним свой меч, ученый успел произнести: - «Не трогай моих чертежей», а по другой версии: - «Подожди, сейчас я решу задачу». Версии украшают легенду и являются вымыслом досужих биографов или исследователей жизни и творчества Архимеда. 

*** 

Далее, я хочу обратить внимание читателей и зрителей на нередкие театрализованные позы умирающих, умерших, а также участников этих мизансцен в изображении многих художников. Хотя они и называют свои картины словом «смерть» того или иного персонажа. 

Рис 31.

СМЕРТЬ СОКРАТА. 1787. Жак-Луи Давида (1748-1825) . Из собрания музея Метрополитен (Нью-Йорк, США).(David - The Death of Socrates).

Давид избрал момент, когда Сократ в окружении учеников берёт из рук палача чашу с ядом. У голой каменной стены стоит простая кровать. На ней — Сократ, прощающийся со своими учениками. На полу лежат оковы, от которых уже освободили философа. Художник противопоставил строгое мужество старого философа глубокому отчаянию собравшихся вокруг него. Сам палач, передающий яд осуждённому, потрясён происходящим. В изножье кровати , якобы, сидит, погружённый в думы Платон.. 

    На картине Рубенса «Смерть Сенеки» показан первый этап самоубийства человека в присутствии свидетелей, не должных вмешиваться в приведение приговора в действие. 

Рис 32.Питер Пауль Рубенс: «Смерть Сенеки» - 1612-13.  Старая пинакотека, Мюнхен.

   Сенека - римский философ-стоик, живший в начале I века. Проповедовал презрение к смерти и судьбе. Был воспитателем и советником императора Нерона. Однако, Нерон обвинил его в заговоре и приказал ему покончить жизнь с правом выбора способа самоубийства.  Сенека вскрыл себе вены и в процессе умирания  делился с учениками впечатлениями, как он уходит в иной мир. Рубенс показал момент, когда Сенека вскрыл себе вены.

      Когда наступит смертельный исход и будет зафиксирована смерть осуждённого при осмотре полотна совершенно не ясно.  Он пока  стоит со вскрытыми венами, кровь стекает в подставленный под струю сосуд, ассистент слева следит за истекающей кровью.  Женщина, сидящая у ног Сенеки справа, с любопытством интересуется выражением его лица и фиксирует наступающие в нём изменения на бумаге. Возможно, что изменяется его сознание, проявляется слабость, неустойчивость, желание сесть или лечь. Видно, что колени его слегка подкосились….Его держит на ногах мужество и твёрдость характера, а также физическая сила, хорошо заметная по выраженной мускулатуре уже не молодого человека,  и убеждённость с своей правоте…

А сейчас я хочу показать несколько картин с придуманными сюжетами вокруг последних часов жизни знаменитых личностей, или сразу же после наступления их  смерти. Порой на этих полотнах бОльшее значение приобретают не сами мертвецы или умирающие, а окружение. Сплошь театрализованные картины, надуманные мизансцены, но исторические параллели в них видны и соответствуют истинным событиям в конце жизни каждого. С несомненными преувеличениями и фантазиями художников. А названия картин весьма условны и не однозначны, но вполне легитимны.

Рис 33.

«Последние часы жизни Моцарта», 1860, картина работы Г. Н. О’Нила, 1860-е гг.

Генри Нельсон О’Нил, английский художник и писатель. (1817  - 1880). Родился году в Санкт-Петербурге. В 1836 году поступил в художественную школу при Королевской

На картине бледный 35-летний умирающий Моцарт, сради партитур и нот своих произведений, страдавший геморрагическим васкулитом, который плохо и неправильно лечили в то время, с плохим прогнозом, но  не отравленный Сальери.

 Вокруг умирающего композитора на картине, описания которой я не нашёл, сидят близкие и друзья, возможно, что среди них был и Сальери. Он умирал долго, мучительно. Пишут, что в помещении стоял тяжёлый, трудно переносимый неприятный запах, что ограничивало число желавших навестить больного.

Похоронен композитор был в гробу по низкому разряду небогатых людей в общей могиле. Его мало кто посещал и могила затерялась. А современный памятник, как и картина

О’Нила – просто дань памяти Великому композитору… 

Рис 34.

«Смерть Леонардо да Винчи», 1818. Жан Огюст Доминик Энгр (фр. Jean Auguste Dominique Ingres; 1780—1867) — французский художник, живописец и график, общепризнанный лидер европейского академизма XIX века. Галерея: Musee du Petit Palais, Paris, France

23 апреля 1519 года Леонардо да Винчи составил завещание, а 2 мая скончался в окружении учеников и своих шедевров. Король Франциск I стал последним покровителем Леонардо да Винчи. По преданию, монарх приглашал ко двору и Микеланджело, и Рафаэля, но получил отказ. Престарелый же Леонардо принял приглашение и с несколькими любимыми учениками оправился в свое последнее путешествие. Король часто навещал  стареющего мастера  «топ рёге» («отец»), окружив его высочайшим почетом,  хотя во Франции Леонардо почти не рисовал, так как у него онемела правая рука, и он с трудом передвигался без посторонней помощи. Почти весь последний год жизни в королевской резиденции Амбуазе 68-летний Леонардо провел в постели.

Юный король утверждал: - «Я убежден, что нет на свете человека, более сведущего в науке и искусстве».Такое отношение короля к художнику и дало право художнику изобразить столь  нежное и близкое прощание их на смертном одре Леонардо. Король обнимает умирающего и с любовью вглядывается в его лицо, желая сохранит в своей памяти его образ. И зритель соглашается с содержанием и названием картины…

Рис 35.

Смерть Кука. (1795 год) Полотно англо-немецкого художника Иоганна Йозеф Цоффани (нем. Johann Zoffany; при рождении Иоганн Йозефа Цауфелли(1733 - 1810) — немецкий художник-неоклассик.  

     «За что аборигены съели Кука?» пел нам Владимир Высоцкий.  Славного капитана Джемса Кука, в общем-то, и не ели. Он действительно погиб в стычке с аборигенами, не брезгающими человечиной, но случилось это не "у берегов Австралии", как поется в песне, а на острове Гавайи, открытом этим отважным мореплавателем. Причина стычки с разъяренными гавайцами была  ничтожной (взаимная кража инструмента и каноэ). Но негативные отношения существовали из-за непомерных запросов англичан к снабжению водой и продуктами, а также   вольное отношение к местным женщинам…Туземцы по обычаю захоронили кости важных людей, к которым  отнесли и капитана Кука, а мягкие ткани вернули англичанам для своего ритуала захоронения. Англичане с этим не согласились и применили силу, как колонизаторы. Забрали кости, сожгли деревню и поубивали немало туземцев. После всего похоронили Кука в море…

На картине видны предполагаемые обстоятельства сражения и лежащий перед убивающими его туземцами капитан Кук с ружьём у ног.  Это и была его смерть по картине…

Рис 36.

Дмитрий  Белюкин. Родился в 1962 году, москвич, советский и российский живописец, мастер пейзажа. «Смерть Пушкина».

Рис 37.

Посмертная маска Пушкина, сделанная под наблюдением скульптора С. И. Гальберга. Маска и фотография с неё, конечно, более информативны в показе признаков смерти, нежели картина художника Дмитрия  Белюкина, на которой голова умирающего поэта  почти скрыта  подушками и лицо затемнено…  

Рис 39.

Василий Перов   «УТОПЛЕННИЦА»

Написанная в 1867 г., картина демонстрирует бытовую городскую сцену царских времён: девушка-утопленница, выловленная из реки, и городовой, караулящий её мёртвое тело. Он курит трубку и кажется погружённым в свои собственные думы, а, может быть и пытается вникнуть в судьбу утопленницы, сожалея и сочувствуя ей. Обнаруженная в воде мёртвая женщина  уже абсолютно безразлична  к покинутому  ею миру, к своей судьбе и произошедшему с ней. Она перечеркнула всё и ушла в небытие. Девушка выглядит, будто освободившейся от тяжёлой ноши, трудной судьбы, чего-то, мучившего её при жизни. Возможно, что это было самоубийство. Мы не видим её лица, но не сомневаемся, что она мертва, ибо художник жизненно и реально отобразил всю обстановку и обстоятельства произошедшего

***

Рис 40.

Эжен Ларманс (1864—1940). «Смерть». 1904 г. Бельгийский художник. Брюссель, Музей современного искусства.

    На этой заключительной картине уносимого умершего человека тоже весьма скупо показаны признаки его смерти, да и самого тела зритель почти не видит, кроме его мёртвенно бледного лица, поникшей головы и свисающих с импровизированных носилок из плотной ткани ног. Он ещё молод, его сопровождает плачущая старуха-мать, закрывшая лицо краем покрывала. Но чувствуется его тяжёлый вес, как всегда, кому приходилось поднимать или носить мёртвого человека…

    На посошок моего обзора, анализа и взгляда врача на картины разных художников, изображавших смерть, мне кажется необходимым показать и те, на которых представлены  останки… Ведь частично «известно», что душа улетает, плоть истлевает, а кости, скелет остаются надолго для находок, изучения и поклонения потомками… Художники тоже не обошли их стороной.

«Череп с горящей сигаретой», 1885.Винсент ван Гог, (Музей Ван Гога в Амстердаме).

      С большой неожиданностью для меня открылась эта картина, отличающаяся  от остальных работ автора. Это необычная картина для кисти Ван Гога, предпочитавшего изображать живых людей в их жизни и заботах о хлебе насущном. Верхняя часть скелета человека с горящей сигаретой в зубах… Что имел в виду художник?

Возможно, это была просто неудачная шутка невеселого молодого художника Ван Гога, задумавшего  изобразить самого себя. Ведь суицидальные мысли приходили к нему и ранее. Картина написана в период обострившихся заболеваний, когда, по выражению его друзей, у него болело всё «от желудка до зубов». Известно, что знаменитый любитель абсента был еще и заядлым курильщиком. Выстрелив себе в сердце, последние два дня своей жизни он провел, истекая кровью, но с трубкой во рту. Все попытки доктора Гаше спасти его, оказались тщетными. Он лежал, молча отвернувшись к стене, и беспрерывно курил сигарету за сигаретой.
Последими его словами, якобы, были:
- "La tristesse durera toujours" (Печаль будет длиться вечно)...

     Картина Ван Гога, конечно, смотрится менее оптимистично, нежели полотно Климта, показанное вначале, но оно провидческое, хотя и написана примерно  за сто лет до широкого распространения курения повсеместно.

     О том, что смерть удел всех людей говорят также множественные натюрморты с черепом на фоне атрибутов профессии или хобби прижизненных «хозяев черепов», символизируя неизбежное будущее, реалистично либо в аллегориях и метафорах для напоминания о быстротечности жизни, тщетности удовольствий и неизбежности смерти..

    Косвенно мысли о смерти витают на всех натюрмортах с черепами. Они называются ва́нитас (лат. vanitas, букв. — «суета, тщеславие») — жанр живописи эпохи барокко и связан с библейским стихом из Экклезиаста: «Суета сует - всё суета!» (лат. vanitas vanitatum dixit Ecclesiastes vanitas vanitatum omnia vanitas).

 Рис 42.  Натюрморт (ванитас), Себастьян Стокопф, 1641.
    По обе стороны традиционного черепа человека видны  различные лекарства. А справа в кожаном пенале находятся  и медицинские инструменты.

   Представленная репродукция натюрморта – ванитас, символизирующего врачебную специальность –либо символ болезней (весьма редкая медицинская тема) .

***

Рис 43.

«Поездка со смертью» (Жан-Мишель Баския-уличный художник, ученик и последователь Уорхолла.)
“Riding With Death”, 1988.

    Это  последняя картина Баския.  Под ней нет обычного свойственного художнику  безумного текста, характерного для его творчества. Он как бы очистил себя от излишних выражений и эскапад.
В центре картины – одинокая человеческая темнокожая фигура,  сидящая верхом на скелете лошадки. Возможно, что слово «лошадка» и его применение относятся к сленгу, обозначающему и заменяющему слово «наркотик», который всего четыре месяца спустя, в августе 1988, сведёт его в могилу в возрасте 27 лет..

     Смерть - нелёгкое событие в жизни и весьма трудно поддаётся описанию в литературе или отображению в искусстве вообще, а в живописи особенно, когда  перед художниками, решившим её показать,  всегда стоит  дилемма, на чём сделать акцент. Показать ли голую правду, подчас непереносимую зрителем, или завуалировать, отвлечь, закрасить натурализм, прибегнуть к аллегории или метафорам, не погрешив против реальности. Поэтому они вынуждены прибегать ко всяким ухищрениям и уловкам, чтобы убедительно показать смерть, избегая фотографической натурализации. Либо убедить зрителя в  смерти персонажа или её предчувствии, скором наступлении,  стараясь не очень его  напрягать.  Кроме тех, которые стараются и решаются  подчеркнуть всю правду,  жестокость, а иногда и кровавость  натуралистических  мизансцен. Кто из них более прав зависит от предпочтений зрителя, а я в своём обзоре, с надеждой  думаю о впечатлении читателя…