Однажды в Москве проходила очередная игра Клуба «Что? Где? Когда?».
Вопрос ведущего звучал так:
Перед вами картины русского художника Бориса Михайловича Кустодиева, подаренные Нижегородскому
государственному художественному музею Максимом Горьким в 1936 году. На столе были разложены обе фоторепродукции
картин для обсуждения.
Картина "Русская
Венера" написана в 1936 году и была хорошо известна любителям живописи. А вот картине
"На террасе" 1906 года была уготована другая судьба. Около пятидесяти
лет её никто не видел, кроме специалистов. Что в 90-е годы придумали работники
музея, чтобы картина «На террасе» стала доступна всем?
Рис 1. Игорный стол с картинами Б.М. Кустодиева.
Ответ «знатоков»:
Эти картины были нарисованы с двух сторон одного
холста. Сотрудники музея придумали поместить её в стеклянный двусторонний стенд
и поместить перпендикулярно стене зала, чтобы зрители могли видеть оба
изображения, обходя стенд с обеих сторон.
Ответ был признан верным и «знатоки»
получили ещё одно очко.
Давайте и мы рассмотрим эти картины.
Ну, кто не любовался дородной
красавицей в русской бане! Гляньте и позавидуйте её красоте, здоровью и весёлой
натуре, которая так и светится в улыбке из-под сдвинутых с лица рыжеватых
локонов. У неё, наверняка, будут или уже подрастают такие же крепкие и здоровые
дети. Хотя поклонники современных
модных анорексичных моделей, заполнивших подиумы различных сезонных показов, возможно,
со мной и не согласятся, но я остаюсь приверженцем мягких округлостей женского
тела.
А вот эту семейную домашнюю
спокойную сцену на террасе дома вокруг стола, накрытого для чаепития, где виден
ещё молодой художник, его жена, детки, горничная с малышкой, я, например, до
вечера игры и не знал.
Но передача "Что? Где? Когда?"
помогла мне с ней познакомиться и предположить, почему эта картина была
неизвестна. Ну, не было, возможно, у
художника лишнего полотна на тот день, в тот момент, когда пришло вдохновение и
он, перевернув уже готовую картину с русской Венерой, написал на обороте
другую. Долгое время экспонировалось полотно на стене видимой стороной с
красавицей в бане. Что и понятно...
Много времени работники музея решали (либо не решались), как показать людям и
второе полотно художника, пока не нашли оптимальный выход из
создавшейся ситуации: поместить
двустороннее полотно на стенде так, чтобы обходя его, посетители могли увидеть
обе картины. Меня, конечно, несколько удивила недогадливость сотрудников музея,
но я повторяю услышанное.
И это не беспрецедентный случай. Именно так, в
центре зала в Лувре расположен подрамник с двусторонней картиной о поединке
Давида и Голиафа. Картину, всегда привлекающую внимание посетителей можно обойти с двух сторон как скульптуру и
рассмотреть два мгновения этого поединка, хорошо известного всем из библейских
мифов, литературы и живописи.
Рис 4.
Картина
"Поединок Давида и Голиафа» написана в 1550-1555 гг. Автором её является
талантливый ученик Микеланджело Буанаротти, итальянский художник и скульптор Даниэле да Вольтерра ( Daniele da Volterra, или Daniele Ricciarelli), (1509-1566). «Давид отрубает голову Голиафу», написано на
большой сланцевой панели. Изображения
с обеих сторон отражают события, которые разделяет лишь одно мгнове
нье.
Рис 5. Второй эпизод картины.
Картина
стоит на подрамнике в центре, как и следовало поместить картины художника Б.М. Кустодиева,
ставшие поводом для вопроса в игре «Что, где, когда?»...
Сомневаюсь,
что поводом к написанию этой двусторонней картины был дефицит полотна. Более
вероятно предположить, что это была задумка художника показать быстро сменяющие
один другой два эпизода поединка, даже не отрывая взгляд при переходе от одной
к другой картине, а только заглянув на её оборотную сторону, как на очередной
кадр из кинофильма либо перевернув страницу альбома... Но это лишь мои личные предположения и
рассуждения.
Оказывается,
что к таким уловкам, как вынужденное использование обратной стороны холста, либо
рисование поверх прежней картины, прибегали и другие художники, причём, в разных
вариантах.
Так, не
очень известный русский художник Илья Иванович Машков (1881-1944) более cта лет тому назад написал этот Крымский пейзаж.
Рис 6.
Машков Илья. Крымский пейзаж. Судак. Омский областной музей изобразительных искусств им.
М.А.Врубеля, Омск.
Работа была подарена музею омским коллекционером за 20 лет до её первой экспозиции. Именно
столько картина и хранила свою тайну. О том, что она уникальна, стало известно лишь
тогда, когда полотно начали готовить к реставрации. В процессе подготовки картины к реставрации
выяснилось, что она ещё и наклеена на копию картины художника К.П. Брюллова
«Последний день Помпеи». Кроме того, на оборотной стороне холста реставраторы
обнаружили эскиз женского портрета. Предполагается, что он принадлежит кисти
все того же Машкова.
Миллиметр за миллиметром тонкой
иглой пейзаж сначала очищали от защитной пленки, убрали загрязнения,
восстановили живописный слой. А уже потом
вплотную занялись портретом. Женский
образ пока плохо различим - его скрывает плотный слой клея. К тому же,
искусствоведам предстояло выяснить, кто изображен на эскизе и чьей руке
принадлежит эта работа. Загадка с ещё большим количеством неизвестных -возникла после обнаружения этого незавершенного женского портрета на обороте крымского пейзажа. Искусствоведы склоняются к версии, что это работа кисти того же автора - Ильи Машкова. Есть мнение, что, возможно, позировать Машкову, могла отважиться лишь дама, близкая кругу авангардистов. К примеру, его ученица Анна Самойлова. Портрет её (в центре картины) с детьми кисти Машкова - гордость омской коллекции русского авангарда.
Рис 7. Кем же в действительности является таинственная незнакомка, ещё предстоит разгадать, так как реставрация ещё далеко не завершена.
Существует ещё одна история существования этого
творения Машкова. Крымский пейзаж запечатлен на фотоматериалах скандально-знаменитых
«бубново-валетовских» выставок 1916 года, привнесших в искусство
яркий примитивизм народной культуры. Возможно,
верно звучит мнение художника Валентина Серова о творчестве Ильи Машкова,
близкого к авангардистам, якобы сказавшего, что это: - "не живопись, а
фонарь". Откровенно говоря, я не понял, что имел в виду В. Серов, хотя
картины Машкова, действительно несколько лубочны по своему колориту.
В беспокойном
и бурном 1917-м году о картине уже никаких упоминаний не было. И лишь в 30-е
годы на одной из почтовых открыток серии "Современный художник" вновь
появляется пейзаж Ильи Машкова. Сотрудники музея очень надеются найти этот
раритет.
Однажды, Винсент Ван Гог также
написал в 1887 году пейзаж "Лужайка" на холсте с более ранним женским
портретом, причём, не на оборотной стороне холста, а поверх прежней картины. И
вот что было обнаружено:
Рис 8. Женский
портрет Ван Гога, написанный до картины «Лужайка» после реставрации. Женская голова,
скрытая более поздней "Лужайкой" напоминает одно из лиц, которые
можно видеть на знаменитой ранней картине Ван Гога "Едоки картофеля".
Возможно, это был эскиз, но художник посчитал его более не нужным, а свободного
другого полотна не было под рукой. Вот он и написал новую картину поверх
старого портрета женщины...
Рис 9. Картина Винсента Ван Гога «Лужайка»
К такому выводу пришли ученые из
Нидерландов и Германии, исследовавшие полотно при помощи флюоресцентной
спектрографии в синхротронных рентгеновских лучах. Для художника, который
был стеснен в средствах почти всю жизнь, повторное использование
холстов было обычным делом. Так пишут биографы, но фактов не приводят. Либо я
их не нашёл. Кроме описанного выше.
При подготовке альбома-каталога Ярославского художественного музея - «Русский
авангард из собрания Ярославского художественного музея», была найдена одна необычная картина - «Герань», появившаяся в музее в
1921 году. Долгое время ее автор был неизвестен. И только в 80х годах картина
обрела имя. Это оказалась работа известного художника Владимира Васильевича Лебедева.
Рис 10. Лебедев Владимир
Васильевич (1891-1967 гг.), "Герань", 1919 г.
При реставрации старого запущенного холста, после снятия подрамника, на обороте обнаружили фрагмент
натюрморта с зонтом. Холст нарастили и
дописали, используя остатки живописи и контуры рисунка. И коллекция пополнилась
еще одним произведением, которое так и назвали - «Натюрморт с зонтом». Причем
«Герань» и «Натюрморт» оказались перевернутыми по отношению друг к другу. И у меня, естественно, возник вопрос, как демонстрируются эти две картины даже если они на подрамнике в центре зала?
Рис 11.
Лебедев Владимир
«Натюрморт с зонтом»,1917.
В этом случае, учитывая годы создания,
вполне возможно повторное использование холста то ли из-за дефицита, то ли
из-за отношения к старой картине. Однако, снова, только догадки, ибо объяснений
при описании установленных фактов не дано. Вот на переворот картин обращено
внимание...
Фешин Николай Иванович (1881
-1955) - русский живописец, график,
скульптор. Учился в Казанской художественной школе, а затем поступил в Высшее
художественное училище при Академии художеств, где вскоре перешел в мастерскую
И.Е. Репина. Фешин пробовал себя в разных жанрах живописи, но более всего
известен как портретист.
Рис 12. Фешин Николай Иванович. «Барабанщик».(1901-1908 гг.).
На обороте картины была нарисована другая
картина под названием "Пузырист", но тоже с портретом брата художника .
Чувашский государственный художественный музей.
Вот в данном случае работа периферийного
художника, действительно, может сопровождаться нехваткой холстов и
необходимостью рисования на бумаге.
Рис 13.
Фешин Николай. Портрет брата. «Пузырист» (Барабанщик). Печать на холсте,
бумаге.
Как, оказалось при углублённом
поиске в Интернете, бродя по галереям и музеям с его помощью, ещё великий Леонардо да Винчи и другие
художники, писали картины на оборотной
стороне, изнанке, полотна. Но в те времена такой метод служил, то ли дополнением к рисунку, то ли уточнением
его содержания, то ли объяснением повода к нему, то ли украшением картины, написанной на лицевой стороне, то ли просто традиционно сопровождал картину эмблемой.
Иной раз эти «потусторнние» рисунки были
не менее интересны и качественны, почему картины и стали именоваться
двусторонними (двойными).
Рис 14. Леонардо да Винчи «Портрет
Джиневры де Бенчи». ок. 1474-1476 (Ritratto di Ginevra de' Benci). Национальная галерея искусств, Вашингтон.
Перед нами образец флорентийской портретной живописи эпохи Раннего Возрождения Джиневры д'Америго де Бенчи, флорентийской
поэтессы и интеллектуалки XV века.
На
картине молодая девушка в терракотовом платье с тёмно-синей
шнуровкой на груди. Наряд девушки лишён каких-либо украшений, если не заметить
маленькую жемчужину, стягивающую края
прозрачной рубашки у ворот. Причёска с гладко
зачёсанными волосами и прямым пробором с двумя вьющимися локонами, обрамляющими
лоб, типична для того периода флорентийской моды. На затылке волосы закреплены
белым головным убором или лентой. На плечи наброшен тёмно-коричневый шарф.
Портрет, возможно,
был заказан венецианским послом во Флоренции Бернардо Бембо,
близким другом и платоническим поклонником Джиневры.
Рис 15.
На обороте изображена эмблема в виде вертикальной ветви можжевельника в
обрамлении венка из лавровой (символ
поэтического занятия) и (символ
нравственности и христианского сострадания) ветвей. Ветви перевиты лентой с латинским изречением: «Virtutem forma decorat» («Красота -
украшение добродетели; она украшает свою добродетель красотой»).
Венок из
пальмы и лавра являлся персональной эмблемой Бембо. На картине к его эмблеме из
двух растений в центре присоединяется третье -
можжевельник, эмблема Джиневры.
А́льбрехт Дю́рер (Albrecht Dürer), (1471-1528), немецкий живописец и график. Один из
величайших мастеров западноевропейского Ренесанса.
Первый теоретик искусства среди североевропейских
художников, автор практического руководства для художников на немецком языке.
Основоположник сравнительной антропометрии и автор первой автобиографии. Среди множества его картин выделяют портреты
родителей, написанный в знак своей благодарности.
Рис 16.
Картина
Альбрехта Дюрера «Барбара Дюрер» 1514. - мать художника. Нюрнберг, Немецкий национальный музей.
Барбара была дочерью нюрнбергского ювелира
Иеронима Хольпера, у которого служил Дюрер старший. Мужчин подружились, а
позднее сорокалетний Дюрер женился на Барбаре, которой было 15 лет. Она стала
матерью 18 детей, десять из которых умерли в младенчестве.
Удивительно спокойное нежное лицо уже не
молодой 40- летней ещё привлекательной женщины. Её волосы спрятаны за большой капот, как и положено
немецким женщинам. Она облачена в красное платье и белый головной убор замужней
женщины с длинным «хвостом», перекинутым через плечо.
Но интерес вызывает не столько этот
портрет, а то, что нарисовано на его
обороте, где изображён зловещий пейзаж с
утёсом и драконом. Считают, что художник
- сын хотел что-то рассказать потомкам. Возможно, что женщина боролась с
соблазнами, и могла изменять. Скала - это семья, а дракон -
измена. А может быть и такая трактовка: дракон - это смерть, скала - семья, в
которой были дети. Трудно разгадываемая загадка выбранного сюжета осталась...
К сожалению, мои неоднократные попытки поместить эту картину в текст, как остальные 27 не увенчались успехом. Она по мистической причине не проходит через существующую рамку сайта. Инвалидный тейп - таков ответ. Всё это соответствует её загадочности и зловещему сюжету. Придётся читателю поверит моим словам.
(Рис 17.
Оборотная сторона портрета Барбары Дюрер- «Пейзаж с
утёсом и драконом» (Название не самого художника, а по описанию).
Существует и второе полотно Альбрехта Дюрера с
изображением отца художника.
Рис 18.
Альбрехт Дюрер, 1490. "Портрет отца художника". Галерея Уффици.
Первая живописная работа Альбрехта Дюрера, дошедшая до
нас. Написав портрет отца, он окончательно осознал себя художником. Эта работа
была благодарностью отцу за то, что он не воспрепятствовал сыну стать
художником.
На представленном портрете -
старый человек со спокойным усталым лицом задумчиво перебирает четки. У него
умные глаза кажутся направленными вдаль, но взгляд их вовнутрь. Его сильные и большие руки кажутся моложе,
чем лицо. Персонаж молчалив и сдержан, как молчалив и сдержан был
в жизни.
На обороте портрета изображен - свадебный
герб породнившихся семей Дюреров и Хольперов. Необычная геральдическая
зарисовка. Очевидно этот «синтетический»
герб символизирует верность и союз двух семей.
Рис 19.
Оборотная сторона портрета Альбрехта Дюрера-старшего. «Свадебный
герб семейств Дюреров и Хольперов»
(Marriage Coat of Arms of the Families Duerer and
Holper. Verso of the Albrecht Dürer the Elder portrait, 1490).
А вот перед нами уже не двойной портрет или только
двусторонний рисунок, а с четырьмя его составными: - На лицевой стороне бюсты главных
персон, - урбинского герцога и его супруги, а на обороте триумф каждого из них
в виде торжества или п
раздничной церемонии.
Рис 20 Пьеро дела Франческа - «Портрет Федериго да Монтефельтро и
Баттисты Сфорца». 1465-72. (Doppio ritratto dei duchi di Urbino).
Это знаменитый парный профильный портрет,
изображавший урбинского герцога и его супругу в манере высшей эстетики эпохи Ренессанса.
На оборотной стороне диптиха изображены
триумфы Федериго и Баттисты. Этот древнеримский обычай стал весьма популярным в эпоху Ренессанса, когда
такие театрализованные представления сопровождали всевозможные празднества. В
программу входили различные торжественные въезды в город на колесницах и
многолюдные шествия с костюмированными людьми (олицетворения языческих богов,
полководцев, добродетели).
Рис 21. Рис 21-а
"Тот славен едет в блестящем триумфе, кого,
равного высоким князьям, прославляет достойно
вечная слава как держащего добродетелей скипетр".
"Та, которая в счастье придерживалась правил
великого супруга, на устах всех людей,
украшенная славой подвигов".
Я позволю себе процитировать
характер триумфа, изображённый на оборотных картинах под каждой в
отдельности, ибо перефразировать или сократить их невозможно и не имеет смысла
из-за потери выразительности и последовательности описания:
«Пьеро дела Франческа изображён как победоносный полководец в
стальных латах и с жезлом в руке на колеснице, запряженной восьмеркой белых
коней. Позади него стоит крылатая Слава, которая венчает его лавровым венком, у
его ног - 4 Добродетели (Справедливость, Мудрость, Сила, Умеренность),
впереди - фигура Амура.
Баттиста едет в повозке, запряженной парой
единорогов (символ невинности и чистоты), она держит в руках молитвенник, её
сопровождают 3 христианские добродетели (Вера, Надежда и Милосердие), тот же
смысл имеют 2 фигуры за её спиной. Трактовка этих изображений в
демонстрации союза добродетелей, украшающих доблестного мужа и верную жену,
связанных узами любви земной и небесной, и сознающих свой высший долг перед
людьми и Богом.
Повозки двигаются навстречу друг другу, а внизу начертаны
длинные латинские надписи, которые взывают к памяти потомков».
Понятно, что
перечисленные двойные картины - это дань традициям эпохи, а не меркантильным
соображениям или уловкам художников.
Характерен двойной портрет легендарного карлика Морганте кисти итальянского художника и
скульптора Бронзино.
Портрет обнаженного карлика, который играл важную роль
при дворе Медичи, был выявлен после почти трех столетий забвения.
Рис 22.
Бронзино (1503-1572). «Портрет карлика Морганте». (Portrait of the dwarf Morgante (from the
back, before 1533). (Лицевая сторона)
Портрет карлика Morgante, представляет собой двустороннее
полотно, на котором изображен шут. Портрет
был написан до 1553 года художником Аньоло ди Козимо, более известным как Бронзино (1503-1572).
Любимый шут герцога Козимо I де Медичи был его верным спутником, но хотя главной задачей карлика Morgante было развлекать герцога, он также сопровождал Козимо во многих
дипломатических поездках.
Рис 23.
Оборотная или задняя сторона картины.
Обнажённый
придворный шут («нани») был стыдливо замазан в XVIII веке виноградными листьями и
гроздьями, превратившими его в подобие Бахуса. После реставрации картина
выставлена в галерее Уффици во Флоренции.
Карлик Морганте изображён во всей своей мужской красе и спереди,
и сзади. На одной стороне картины он позирует с охотничьей совой, а вокруг
причинного места кружатся какие-то довольно крупные насекомые. На другой
стороне охотник сжимает в руке трофей - пойманных птиц.
Браччио ди Бартоло, каким было имя карлика, иронично назвали в честь
гиганта Морганте Маджоре, героя
эпической поэмы Луиджи Пульчи, прибыл в качестве раба ко двору Козимо 1 Медичи (1519-1584), великого герцога Тосканского, около
1540 года.
Он был умён, образован и
чрезвычайно добр. Страдавший врождённой хондродистрофией, раб и шут в 1555 году был удостоен дворянского
титула, ему пожаловали земли и право жениться.
Работа Бронзино уникальна. Он
единственный, кто написал портрет шута, не постеснявшись его огромных и
причудливых детородных органов. В целом двойная картина производит очень
странное впечатление: безобразное благодаря эмоциям и темпераменту неожиданно
становится прекрасным, и в портрете начинает проглядывать несвойственная принятой статичной живописи эпохи
Ренесанса, мысль: пусть он урод и шут, но он человек. Здесь стоит упомянуть,
что, несмотря на своё привилегированное положение, Морганте регулярно подвергался
унижениям самого разного рода и даже физическому насилию.
У нас на очереди знакомство с ещё одним
любителем писать двойные картины или создавать двустороннюю живопись. Английский живописец Джон Констебл (Соnstable John) 1776-1837) писал: - «Более остального я должен писать родные места. Живопись
- не что иное, как выражение чувств». Эта фраза иллюстрируется его двусторонней картиной.
Рис 24.
Джон Констебл «Пруд Бранч-Хилл в Хэмпстеде»
(Branch Hill Pond: Hampstead), 1819. Романтический
пейзаж.
При
экспертизе картины была обнаружена новая
картина Джона Констебла, нарисованная на
обратной стороне полотна.
Эксперты считают,
что работа, вероятно, были выполнена между 1821 и 1822 годами, в тот период,
когда Констебл активно работал над подобными мотивами. Рисовать с обеих сторон
полотна было вполне типичным для Констебла. Из 92 эскизов маслом, которые дочь
художника передала музею Виктории и Альберта в 1888 году, шесть были
двусторонними.
Рис 25. Оборотная сторона картины Джона Констебла,
на которой изображена пасторальная сцена с
облачным небом над деревьями и дымящейся структуры, похожей на печь.
Эскиз,
вероятно, был написан в 1821-1822 годах.
Известно,
что Констебл был очень бережлив с материалами для своих работ. Иногда он
рисовал эскизы по обе стороны опоры для холста. Эксперты считают, что художник
нарисовал этот пейзаж на холсте, который был прикреплен к крышке ящика с
красками.
В настоящее
время работы Констэбла высоко ценятся и весьма популярны у коллекционеров,
однако при жизни художник не добился финансового успеха. Членом Королевской
академии художеств он стал лишь в 52 года.
Польский художник Анджей Врублевский
трагически погиб в Татрах в 1957 году. Ему не было и тридцати лет, но то, что
он успел создать, обеспечило ему место в истории польского послевоенного
искусства. Анджей Врублевский учился в Краковской Академии изобразительных
искусств. Там он встретился с Анджеем Вайдой, который потом, после смерти
друга, активно добивался признания уникальности его творчества. От модернизма,
через авангардизм Врублевский пришёл к соцреализму в искусстве и остался ему
верен, хотя в его дуализме и сомнениях наблюдались колебания в сторону прежних предпочтений. От метался и даже
помышлял о суициде, что давало почву для досужих рассуждений о его внезапной
гибели в горах...
Он рисовал
двусторонние картины и многие писали о том, что он делал это из экономических
соображений. Но ведь он не был единственным в мире художником, который жил в
бедности. Известны многие художники, которые пару раз нарисовали картины с двух сторон холста, особенно в тех случаях, когда
картина не удавалась. Тогда они
продолжали рисовать на второй стороне холста, но вскоре
переставали.
У Врублевского, напротив, большая часть картин, которые он, в частности, показывал на
Первой выставке современного искусства в 1948 году, составляют двухсторонние.
На некоторых из них вторая сторона была нарисована позже, но эти "изнанки" ни
разу не были выставлены им лично. Они появились лишь после его смерти.
Для просмотра картин с двух сторон
на рисунках в репортаже с выставки (http://culture.pl/ru/article/erik-de-shassey-vrub
levskiy-tvoril-nemyslimye-v-ego-vremya-veshchi-inter
vyu) французским куратором выставок Анджея Врублевского Эриком Шассей и
Агнешкой Сураль в Музее современного
искусства в Варшаве и музее «Museo Reina Sofia» в Мадриде применён простой механизм для раздвижения сторон картины и её
просмотра. Этот необычный способ можно лично испробовать при просмотре по
ссылке репортажа. При копировании картин этот механизм не срабатывает...
Рис 26.
Анджей Врублевский «Небесный шофер»/ «Ликвидация гетто»,
1948, масло, холст, частная коллекция, фот.
Одна из самых
известных работ Врублевского -"Синий шофёр" , на обратной стороне которого
нарисована картина " Ликвидация гетто". И эта вторая картина -
уникальная для польской живописи и вообще для истории мирового искусства, так
как эта тема очень непопулярная, хотя очень важная. Зрители предпочитали
сторону с синим водителем. Но ни одна из сторон не выставлялась при жизни
автора.
Рис 27. В
дни столетия чудовищной бойни много говорили о геноциде армян со стороны
турок в 1915 году. Полтора миллиона - это, конечно не шесть миллионов, но это
был первый геноцид в прошлом веке. Это был прецедент и он повторился и
повторяется... Странно, что Израиль до сих
пор не признал геноцид армян... И ещё несколько стран. Политкорректность,
мултикультурализм, нефть, и пр...
Художник Валентин Подпомогов родился в Ереване, по
фамилии, доставшейся ему от украинца-отца, он не армянин (армянкой была мать), но
сам себя он считает только армянином. Тема расстрела армян семьями не покидает
его. И его двойная картина «Расстрел» свидетель этой горькой и незабываемой
страницы истории его народа.
Рис 28.
(Двойная картина)
Վալենտին Պոդպոմոգով/( Valentin Podpomogov) «РАССТРЕЛ». Конечно, натурализм этого полотна весьма тяжёл для просмотра, но
зритель, не отрываясь, смотрит в пулевые отверстия, входное и выходное, по
обеим сторонам холста. И только двусторонняя картина может вызвать такие
чувств, как сопричастность, понимание и
возмущение тем, что произошло. Переходя от лицевой к оборотной частям
полотна, делая передышку или набираясь сил и смелости, чтобы ещё раз посмотреть
в лицо смерти. Картина вопиет и предупреждает...
Таким получился мой непрофессиональный
просмотр эксклюзивных двусторонних картин в живописи, которые мне удалось найти
и выбрать для обзора. И подумать, как важно любопытство и желание побольше
узнать даже из передачи «Что? Где? Когда?», которую я продолжаю смотреть не
пропуская уже более четвери века. Если читатели найдут что-нибудь интересное и
для себя, я буду считать, что не зря искал, смотрел,пытался осмыслить и
написать.
***
ДОПОЛНЕНИЕ ОБЗОРА ДВУСТОРОННЕЙ ЖИВОПИСИ
Пока ждал
добавлений от читателей, случилось так, что семья моей дочери посетила Берлин и
в Новой Национальной Галерее увидели двустороннюю картину Босха. Дочь
мне и раньше говорила о некоей двусторонней картине Босха, но, понадеявшись на
свои «исчерпывающие» изыскания, я ей не поверил. А теперь убедился. Открыв
искомые файлы картин Иеронима Босха, я нашёл не одну, а три его картины,
нарисованные на обеих сторонах досок.
Одна из них двусторонняя картина «Евангелист Иоанн на Патмосе», вторая
– это двусторонняя роспись боковых створок несохранившегося триптиха «Ад
и Потоп", а третья - "Несение креста". И ещё обнаружил одну православную двустороннюю икону, возможно, руки Феофана Грека...
Поэтому пришлось создавать дополнение к
моему обзору. Смотрите и читайте:
Рис
1/29. Двусторонняя картина. Иероном Босх (1450-1516), Евангелист Иоанн на Патмосе". «Hyeronimus Bosch Der Evangelist Johannes
auf der Insel Patmos». Um 1488/89.
Лицевая сторона. «Евангелист Иоанн на Патмосе»
Получение «Откровения».
Иоанн изображён молодым, хотя на
греческом острове Патмос, где он записывал «Откровение», ему должно быть то ли
60, то ли 80 лет.
В IV
веке до н. э. на
острове существовал акрополь.
Патмос был местом ссылки у римлян. Согласно преданию, сюда был сослан апостол
Иоанн Богослов и
в одной
из пещер имел
откровение, составившее содержание Апокалипсиса.
Слева внизу – орел, как символ
Евангелиста Иоанна. Демон справа внизу. Иоанн находится между демоном и
ангелом. Слева вверху – жена, облаченная в Солнце. А вдали на море виден горящий парусник.
Рис 2/30. Оборотная сторона. «Евангелист
Иоанн на Патмосе» Сцены страстей Христовых.
На обороте изображены Страсти Христовы, начиная от Моления о чаше и
заканчивая Распятием, Можно увидеть
сцены Взятия под стражу и Несение
креста. Бичевания, Надевания тернового
венца и Воскресения нет.
В центре оборотной стороны – символический
пеликан на Голгофе, внутри которой, якобы, видна вспышка пламени.
Картина Босха -
двусторонняя, и потому размещена на
специальном пьедестале посередине зала, как на этой фотографии:
Рис 3/31. Так смотрится картина Босха в галерее.
***
Двусторонняя картина. Иероним
Босх – «Ад и Потоп» (The
Hell
And
The
Flood)
Диптих, 1514. Музей Бойманса-ван Бёнингена, Роттердам (Museum Boijmans Van Beuningen)
"Ад и
Потоп" ("Мир до потопа") - две картины на тему "Всемирного
потопа" и "Ада" на оборотной стороне каждой из створок триптиха
изображены четыре сцены, не совсем понятные по содержанию. Это две очень плохо
сохранившиеся двусторонние доски (боковые створки несохранившегося алтаря –
триптиха), предположительно утерянного
триптиха "Страшный Суд". Возможно, что на несохранившейся центральной доске триптиха тоже была
нарисована картина, как и на её двусторонних створках…
Возможно, что этот алтарь носил название -
"Sicut era in diebus Noa" ("Как это было во времена Ноя").
Лучше всего сохранилась створка "Ноев ковчег". Створки выполнены в
средневековой монохромной технике с обеих сторон. Картина появилась, очевидно,
до 1514 года. Однако, никто не сомневается в подлинности работы. Алтарь, якобы,
был приобретен в январе 1595 года губернатором Южных Нидерландов, эрцгерцогом
австрийским Эрнстом (Ernest, Archduke of Austria). Две створки небольшого
размера были обнаружены намного позднее
- только в 1927 году
Дату предполагаемого Всемирного
Потопа современные Босху астрологи определили ещё в 1499 году - 25 февраля 1524
года. Именно тогда мир должен будет погибнуть. Босх умер за 8 лет до
объявленной даты, но в пророчество это он, как и все люди его времени, верил.
Левая створка (лицевая и оборотная сторона)
Рис 4/32. Левая створка.
Попытаемся просмотреть изображенные
картины на первой и второй паре створок, на правой и левой их половинах по
порядку.
Левая створка (лицевая сторона) -
"Ноев ковчег на горе Арарат".
Прекрасно видно судно с четырьмя парами людей на борту - Ной, три его сына (Сим,
Хам, Иафет и их жены). Это и есть Ноев ковчег, остановившийся "на горах
Араратских", с него попарно вереницей выходят спасшиеся "твари земные
и небесные", а вокруг валяются трупы людей и животных, утонувших во время
потопа.
Левая створка (оборотная сторона) - "Низвержение
восставших ангелов". На картинах изображены летающие и обитающие на земле
демоны, что трактовали либо как «Ад», либо как «Мир до потопа». Существенно,
что в этих сценах нет грешников, мучимых демонами. Низвергнутые ангелы,
превратившиеся в монстров, мягко приземляются в какой-то дикой пустыне. Здесь
изображён, скорее, не ад, а зло, присущее человеческой натуре, и мир,
деградировавший из-за порочности и греховности человечества. Скорее всего, это
на ад, а мир до потопа.
Правая створка (лицевая и оборотная сторона)
Рис 5/33.
Правая створка - "Бесы, осаждающие
человечество".
На лицевой стороне створки бесы осаждают
человечество - они завладевают крестьянским хозяйством, изгоняют его
обитателей. В верхней части женщина ускользает из дома после нападению демонов
и видит рецепт спасения - в виде человека, который стоит на коленях и молится.
Ниже злые демоны сбрасывают мирного пахаря с коня.
На обороте правой створки полуобнаженный
человек жестоко избит тремя демонами. Пострадавший преклоняет колена перед
Иисусом, а другой, на заднем плане, уже получает белые спецодежды из рук ангела
и готовится войти в Рай.
***
Существует ещё одна двусторонняя картина Босха «Несение
креста». Картина написана также на дереве, ее
формат приближен к квадрату. На пересечении диагоналей композиции, одну из
которых намеренно подчеркивает доска перекладины креста, в центре, видно лицо
измученного Христа в терновом венце. Ниже изображены оба разбойника, вместе с
Христом ведомые на казнь. Справа - «добрый» разбойник с серым бескровным лицом
слушает последние наставления монаха перед смертью. Слева от него - фарисей с
карикатурно зверской рожей, воплощение цинизма и религиозного фанатизма.
На
фрагменте другой картины (Босх нарисовал их три), с таким же названием, показанной ниже, видна
милосердная Вероника отвернулась, закрыв глаза, чтобы не видеть этого
устрашающего зрелища. В ее руках платок, которым, по легенде, она вытерла пот с
лица Иисуса, и на котором отпечаталось его изображение. Слева за ней видно лицо
страдающей богоматери. Предполагают, что образы, созданные Босхом, были навеяны
художнику масками актеров, которые разыгрывали в праздничные дни на площадях и
церковных папертях еще с эпохи средневековья мистерии на сюжеты из легенды о
Христе.
Рис 6/34. Картина «Несение креста» (1490-1500). (Вена, Художественно-исторический
музей).
На лицевой стороне картины изображен голенький ребенок с ходунками и ветряной
мельницей. Предполагают, что это Христос в детстве, либо - символ детства в целом.
На оборотной - «Несение креста». Возможно,
что эта двусторонняя картина была левой
створкой большого не сохранившегося триптиха, по-видимому, фрагмент большой
композиции, центральная часть которого изображала «Распятие Христа», а правая -
либо «Снятие с креста», либо «Оплакивание», либо, что еще более вероятно,
«Положение во гроб».
Оборотная сторона
Лицевая сторона
Рис 7/35.
На лицевой стороне изображен
голенький ребенок с ходунками и ветряной мельницей. Предполагают, что это
Христос в детстве, либо - символ детства
в целом.
***
Донская
икона Богородицы с младенцем Христом на руках является двусторонней. Искусствоведы датируют время
её написания 1380-1395 годами , автором считают Феофана Грека, либо
одного из мастеров его круга. В настоящее время Донская икона находится в Третьяковской галерее. Ежегодно в день празднования
иконы её доставляют в Донской монастырь для совершения перед ней праздничного
богослужения.
На
лицевой стороне иконы изображена Богородица. Правой рукой Дева
Мария поддерживает Младенца Христа, касающегося лицом её щеки. Младенец правой
рукой двуперстно благословляет, а в левой, опущенной на колено и прикрытой гиматием,
держит свёрнутый свиток. Отличительной особенностью данного изображения
являются обнажённые до колен ножки Богомладенца, которые поставлены на запястье
левой руки Богородицы.
Лицевая сторона
Оборотная сторона
Рис 8/36.
На обороте иконы
изображено Успение Богородицы. Сцена Успения лишена традиционных
дополнительных сюжетов (несение апостолов ангелами,
плачущие женщины и т. п.). В центре композиции помещена фигура Иисуса
Христа (она вдвое больше остальных фигур) с крошечной запеленованной
фигурой — символомбессмертной души Богородицы. Перед ним на ложе изображена умершая Дева
Мария, которую окружают двенадцать апостолов и два епископа, бывшие свидетелями смерти Богородицы в
Иерусалиме. Само изображение помещено между двумя зданиями, показывающими, что
действие происходит внутри помещения. Перед смертным одром Богородицы
установлена горящая свеча, символизирующая угасание жизни.
***
Во время
Экскурсии "Православное наследие Кипра", в Ларнаке, в пещерной церкви «Панагии
Хрисоспилиотисса» или церкви «Святой Богоматери Золотой Пещеры», считающимся
одним из самых святых на Кипре. Гид рассказывает легенду о том, что первая
христианская базилика была построена именно на этом месте, когда здесь была
найдена двухсторонняя икона Богородицы. Считается, что эта икона помогает
вступающим в брак обрести в нем радость и счастье. (Изображения иконы не найдено).
***
Вот на этих «освящённых» сюжетом строках я пока
(теперь уже и ещё более неуверенно) закончу своё обзор двусторонней живописи.
Хотя и не уверен, что исчерпал все возможности обнаружения картин такого рода.
31.05.15.
EN
Старый сайт
Жарахович Илья 
Борисов Владимир 
Аимин Алексей 
Киров Николай 
Буторин Николай 
Аарон Борис 
Вайнер Ирина 
Кладницкий Давид 
Крылов Юрий 
Берлин Адольф 
Стефанюк Cтанислав. 
Андерс Валерия 
